ASÍ HABLÓ
NIETZSCHE
La obra de arte
audiovisual
“El desarrollo del arte está ligado a la duplicidad de lo apolíneo y de lo dionisíaco”.
Friedrich Nietzsche,
El nacimiento de
la tragedia, 2012, p. 49.
UN USO ARTÍSITCO:
UN USO ARTÍSITCO:
A
la hora de medir el valor artístico de una pieza cinematográfica, el
gestaltista Rudolph Arnheim señaló
que todos los medios de expresión son susceptibles de recibir un uso artístico
y otro inferior, llamémoslo vulgar o banal . Habría que ver qué rol juega en
esta dicotomía otros usos como por ejemplo el comercial. Pero lo que aquí nos
trae es que en esa dicotomía, en la cual Arnheim incluye al cine, la distinción
entre dos tradiciones de uso, describe a una de ellas hegemónicamente
establecida.
“El cine se asemeja a la pintura, la música, la literatura y la danza en cuanto a que: es un medio que se puede utilizar para producir resultados artísticos, pero esto no le es necesario. Por ejemplo, las tarjetas postales en colores no son arte ni tienen la intención de serlo. Tampoco lo son una marcha militar, un relato de confesiones verdaderas o el strip-tease. Y los films no son necesariamente arte cinematográfico.”
R. Arnheim, 1986, p. 19.
“Cuando para cualquier escena, acción, suceso, ambiente resuena una música adecuada, ésta parezca abrirnos el sentido más secreto de aquéllos y se presente como su comentario más justo y claro.”
Acudiendo en busca de ejemplos cinematográficos en que imagen y sonido se
articulan en sentidos adversos, haciendo uso del contrapunto sonoro en su
máxima expresión, podemos acudir a escenas de films dirigidos por Stanley Kubrick. Así, en A
Clock Work Orange (1971), la Sinfonía nº9 de Beethoven alude a un carácter placentero, despreocupado y hedonista
que acompaña al protagonista Alex, mientras se prepara para una noche de
‘ultraviolencia’. Con efectos similares suena La gazza ladra de Rossini
mientras la banda de Alex se apalean otra, y cantan Singing in the Rain mientras asaltas a una familia en su hogar. La
música relajada remite al placer distendido que de estos jóvenes, que
desatendiendo cuestiones morales ejercen indiferentemente actos violentos como
apalear a un mendigo y tan cotidianos como apalear parar en un bar. Ambos actos
forman parte de su rutina nocturna y en esa bipolaridad radica la esencia del
film.
(Thor: Ragnarok, Taika
Waititi, 2017)
AFRONTANDO EL
FUTURO
Cumpliendo el
ciclo del héroe, el regreso a casa de Thor (Chris Hemsworth) en Thor:Ragnarok, a pesar de ser una comedia, su narrativa dramática implica conflictos internos de varios personajes con su pasado. En los términos del monomito
que Joseph Campbell describe en El héroe de las mil caras, las tres
películas describen un viaje personal introspectivo: en la primera Thor aprende a quitarse la idea de
reinar Asgaard por ansias de poder sobre los otros ocho reinos. Thor: The Dark World es
el descenso de Thor al mundo oscuro, en el cual el preciado éter actúa en la historia como el
elixir (elemento clave en el paso por la oscuridad). Tras descubrir este bien preciado Thor debe esconderlo y, para ello, se reconcilia con su hermano Loki (Tom Hiddleston), poniendo su vida en riesgo para proteger los nueve reinos y dirigirse hacia una supuesta larga estancia en la Tierra. Este tercer viaje, Thor: Ragnarok, es el regreso a casa, en
el cual Thor corrige el caos en que se encuentra Asgard y, tras un
proceso de deconstrucción de su personaje, después de encontrarse desheredado de su
reino y de sus poderes, consigue reconciliar a Asgard con su pasado desconocido
y oculto, asumiendo la dualidad entre destrucción y reconstrucción como una
tragedia a afrontar y compartiendo con su pueblo la sabiduría obtenida en el
viaje.
Cada una
de las entregas es a su vez un viaje de ida y regreso. En Thor: Ragnarok la búsqueda del padre es
la partida. Las posteriores iniciación y descenso a los infiernos tienen lugar en Sakaar,
donde Thor experimenta su mencionada deconstrucción y aprende a valerse sin el poder de su martillo. El regreso final, al volver a Asgard, Thor transfiere a su pueblo ese desapego hacia los objetos materiales, abandonando la tierra física en que se habían asentado y sus reliquias
acumuladas. Durante este viaje la sabiduría obtenida, el martillo y la pérdida
del ojo, se encuentran simbólicamente unidas. Además de vincularlo y acercarlo a su padree, ¿qué simbolismo esconden las pérdidas del martillo y el ojo de Thor?
(Taika Waititi, 2017)
REESCRIBIENDO EL
PASADO
Esta tercera
aventura de Thor rompe con las dos anteriores. Dejando atrás la solemnidad y
dramatismo de aquellas, la sátira es el registro empleado por Taika Waititi, director habituado a
comedias, para narrar este apocalipsis nórdico. Ante su inminente muerte, Odín
(Anthony Hopkins), revela a sus
hijos Thor (Chris Hemsworth) y Loki
(Tom Hiddleston) la desconocida
identidad de su verdadera primogénita, Hela (Cate Blanchet), diosa de la muerte. Llegado el momento, ella
reclama su legítimo derecho al trono de Asgard y revela el pasado ocultado por
Odín, en que padre e hija gobernaron por medio del terror. En la disputa por la
herencia, los hermanos son confinados a Sakaar, un planeta gobernado por el
Grandmaster (Jeff Goldblum), lleno
de residuos del universo y visiblemente inspirado en Flash Gordon (1980). Allí, Thor es secuestrado por una Valkiria (Tessa Thompson) y es transformado en
gladiador para luchar contra Hulk (Mark
Ruffalo) que ha encontrado, como campeón e ídolo de masas, la aceptación
que no encontraba en la Tierra. Para evitar la destrucción de su pueblo, Thor
debe escapar a tiempo de la reclusión en este colorido planeta, desenvolviéndose
con un constante desenfado en una gama multicromática y tintes ochenteros, con
los cuales deja atrás la oscura tonalidad en que hasta ahora se ha manejado.
LABERINTO
ATRONADOR
Las bombas
abren la tierra haciendo saltar la arena por los aires. Acorralados en la playa
de Dunkerque sin embarcaciones suficientes para huir, los soldados británicos esperan
a ser evacuados por la llegada de barcos civiles del otro lado del estrecho,
quedando a expensas del enemigo durante días de espera. Christopher Nolan retrata este rescate denominado Operación Dynamo,
con una propuesta estética inmersiva, fragmentándolo en tres relatos independientes
e intercalados, que abordan respectivamente los tres frentes: tierra, mar y
aire. En tierra, Tommy (Fionn Whitehead)
es uno de los muy jóvenes soldados que en total incertidumbre buscan sobrevivir
a la espera de un tan anunciado como incierto rescate. En la mar, Mr. Dawson (Mark Rylance) es un civil que parte voluntariamente
de la costa inglesa para colaborar en el desalojo. Mientras
que desde los cielos, el piloto Farrier (Tom
Hardy), protege a las tropas descubiertas ante los aviones enemigos que puedan aprovechan la situación de
asedio. Y rodeado de tal frenético caos militar, el comandante Bolton (Kenneth Branagh), sin certeras
expectativas, intenta conservar la calma de los soldados y organizar tácticamente
el ansiado regreso a casa.
ALICIA EN LA CIUDAD DE LAS PESADILLAS
La ciudad de Los
Angeles es el perturbador universo absurdo de paradojas lógicas al que llega Jesse (Elle Fanning),
una hermosa adolescente de pueblo a la cual no parece hacérsele grande la
ciudad, en la que sus aspiraciones de convertirse en una supermodelo profesional
parecen comenzar a hacerse realidad. En esta urbe entregada a la
superficialidad y al hedonismo ególatra retratada por el director Nicolas Winding Refn, las contendientes,
que van siendo desbancadas por la fulgurante llegada de la nueva joven en la
ciudad, movidas por la envidia y la codicia se distribuyen entre la admiración
contemplativa y sus ineludibles y terroríficos deseos de despojarla de su
belleza para barrerla del camino que meticulosamente se han ido forjando. Junto
a la maquilladora Ruby (Jena Malone),
las modelos Gigi (Bella Heathcote) y Sarah (Abey Lee) son las compañeras
rivales que se encuentran ante Jesse. Atesoran una perfección espuria
conservada quirúrgicamente para desafiar las leyes temporales y el carácter
pasajero de su juventud, poniendo en relieve el debate sobre la naturalidad o
necesaria artificialidad de la belleza y manifestar las luchas individuales que
lidian respectivamente cada una para posponer su fecha de caducidad tras la
cual, dadas las reglas establecidas, pasarán irremediablemente a convertirse en fantasmas.
DUELO ANTE LA
IGLESIA
“La diferencia reside en que el historiador dice lo que ha acontecido, el poeta, lo que podría acontecer.”
Aristóteles, Poética,
1451b.
Estos dos films, Spotlight (Thomas McCarthy, 2015) y El club (Pablo Larraín, 2015), dirigen sus
miradas, una testimonial y otra más poética, reclamando la atención sobre el
encubrimiento de pederastas, por parte de cúpulas jerárquicas de la iglesia
católica, para evitar que los casos estallen mediáticamente dañando la imagen
de la institución. El primer film recrea, ciñéndose en gran medida a los hechos
reales, una investigación periodística del Boston Globe, que tuvo una
repercusión global y recibió el premio Pullitzer en 2003; mientras que el
segundo se inspira en varios casos reales similares, resumiéndolos en uno de
los posibles hogares de reclusión mantenidos por la Iglesia en Chile. De esta
manera, los films estadounidense y chileno plantean dos diferentes perspectivas
sobre un mismo asunto: al abordaje periodístico de investigación, centrándose
en el entramado político que camufla el caso social y mediáticamente; y la
intromisión en el espacio íntimo de esos hogares, permitida por la licencia de
emplear un escenario y casos ficticios.
(Tom Ford, 2016)
THRILLER EN LO
COTIDIANO
“¿Nunca has sentido que tu vida se ha convertido en algo que no pretendías?”
El segundo trabajo
del diseñador Tom Ford, vuelve a retratar inquietudes de altas esferas ante las
convenciones sociales como en A Single Man, pero
poniendo ahora una mirada alejada de la redención y centrada en la angustiosa egolatría
que domina el imperio de la superficialidad. La protagonista, Susan Morrow (Amy Adams), es una galerista de arte
que tomó en su vida una bifurcación: dejó a su primer esposo Edward Sheffield (Jake Gylenhaal), un escritor de futuro
tan incierto como despreocupado, por un afamado médico, Hutton Morrow (Arnie
Hammer), junto al cual cumple todas las expectativas en base a las cuales hizo
su apuesta de futuro: no pasar apuros económicos y gozar de un garantizado
prestigio social. Como ella misma reconoce, a cambio paga el precio de teñir su
vida con falsas apariencias. Tras veinte años de aquella ruptura y sin contacto
desde entonces, Edward envía a Susan su primera novela antes de publicarla, convirtiéndola
en primera lectora de la versión definitiva. Este obsequio, que funciona en
parte como catarsis liberadora sobre las acciones del pasado, pone en marcha un
ajuste de cuentas emocionales: Edward expone en su novela el daño sufrido,
transformándolo en una perversa y violenta historia de suspense, en la cual el
padre de una familia acomodada, es incapaz de evitar las desapariciones de su
esposa e hija. Al leerla, Susan detecta cómo su vida ha devenido en lo
contrario de lo que buscaba, replanteándosela por completo.
(Fernando Trueba, 2016)
UN RETRATO DE LOS CINCUENTA
Años cincuenta: tras el reciente acercamiento político entre Estados Unidos
y España con los pactos de Madrid de 1953 -en contra del sentir de los
representantes políticos europeos-, se produce el desembarco de Hollywood en
tierras españolas, con ejemplos como Orgullo
y pasión, o las superproducciones de Samuel Bronston. En este escenario, retoma
Fernando Trueba a los personajes de La
niña de tus ojos (1998), usando entonces el trabajo de un equipo
artístico para representar la colaboración de la España franquista con la
Alemania nazi; y haciéndolo ahora para referirse al acercamiento interesado del
equipo de Eisenhower, encontrando en el comunismo un enemigo común y en el
fascismo que combatieron diez años antes, en su versión española, un mal menor.
En esta España, coinciden los regresos de los dos protagonistas por
circunstancias distintas: Macarena Granada (Penélope Cruz) llega tras haber alcanzado la fama (y nacionalidad)
estadounidense, para rodar una superproducción; mientras Blas Fontiveros (Antonio Resines) llega clandestinamente
al país, tras haber sido dado por muerto, después del desolador panorama que
afrontaba al final de la anterior entrega. Este punto de partido le transfiere
un peso dramático que domina, más que en aquella, por encima de los alivios
cómicos de esta tragicomedia, siguiendo así los pasos de un guionista polaco que las apañó en Hollywood.
"Me esforzaba porque mis películas fueran originales, nuevas, porque algunas personas se rieran y otras no, pero que todas se conmovieran al verlas."
Billy Wilder
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